Ce Film Să Vezi?
 

Filme care sunt practic impecabile

De Nolan Moore/1 martie 2018 12:51 pm EDT/Actualizat: 22 martie 2020 10:30 pm EDT

Filmarea este un proces nesimțit de dificil. Există atât de mulți oameni implicați, fiecare cu propria lor viziune creativă, încât poate fi greu să îi aducem pe toți pe aceeași pagină. În plus, trebuie să te ocupi de probleme, de la finanțare la programare și până la accidente fixate.



Cu toate rescrierile, proiecțiile de testare și editările de ultimă oră, este uimitor faptul că orice film este făcut deloc. Drept urmare, există o mulțime de filme care sunt doar mediocre. Dar de fiecare dată, totul se aliniază perfect. Obțineți scenariul potrivit cu regizorul potrivit cu distribuția și echipajul potrivit și s-ar putea să obțineți un film perfect. Aceste filme sunt puține și între ele, dar când vin, știi imediat că ai găsit un film fără cusur.



Mulholland Drive (2001)

Suprarealismul a avut câțiva campioni cinematografici de-a lungul anilor, de la Luis Buñuel la Alejandro Jodorowsky, dar maestrul modern al mișcării este David Lynch. Bărbatul are un adevărat nod pentru minarea subconștientului și crearea de imagini teribile de coșmar. De exemplu, existăEraserheadși al treilea sezon dinVârfuri gemene, dar dacă doriți să-l vedeți pe Lynch la înălțimea puterilor sale de îndoire a minții, atunci verificați opusul său magnum,Mulholland Drive.

A explica complotul este ca și cum ai încerca să descrii un vis profund și tulburător. Filmul începe atunci când o actriță nevinovată pe nume Betty (Naomi Watts) ajunge la Hollywood cu speranțele că va fi mare. În curând se poticnește într-un complot ciudat în care este implicată o frumoasă brunetă (Laura Elena Harring) care suferă de amnezie, dar ca Roger EbertEvidențiatîn recenzia sa originală,Mulholland Driveșchiotează complotul tradițional și în schimb „funcționează direct asupra emoțiilor, precum muzica”. La urma urmei, majoritatea în masă a filmului este un vis efectiv și, lucrând printr-un subconștient desfrânat al unei femei, Lynch explorează mașinările întunecate ale Hollywoodului și cât de des obiectivele noastre grandioase dau loc disperarii.

Și în timp ce răsuciți toată această logică de vis - ce se întâmplă cu cheia albastră și caseta albastră? - Lynch te ține lipit de ecran cu secvențe fascinante, precum numărul muzical al Club Silencio, audiția care se aruncă cu fălcile lui Betty și momentul crunt în care un regizor cochet (Justin Theroux) îl întâlnește pe cel mai înfiorător cowboy din lume. Și apoi, desigur, există una dintre cele mai înfricoșate scene din istoria hollywoodiană, o masterclass în tensiune care nu implică nimic mai mult decât doi bărbați într-o cină. Împerechează toate acestea cu puterea unei performanțe a lui Naomi Watts și nu este de mirare că BBC a numit această capodoperă suprarealistăcel mai mare film al secolului XXIpana acum.



Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Michel Gondry este un regizor cunoscut pentru imaginația sa capricioasă și magică. Charlie Kaufman este scenarist cunoscut pentru pesimismul și originalitatea sa nebună. Când cei doi și-au combinat puterile cinematografice în 2004, au creat o romantică mereu mare, care a fost suficient de curajoasă pentru a arunca o privire lungă și grea asupra laturii urâte a iubirii și a modului în care relațiile funcționează de fapt.

Strălucirea eternă a minții neprihănite îl joacă pe Jim Carrey în rolul lui Joel Barish, un bărbat singuratic și timid, care întâlnește o femeie ieșită pe nume Clementine (Kate Winslet). După ce relația lor ia o transformare stâncoasă, Clementine trece printr-un proces pentru a șterge amintirile lui Joel din mintea ei. Rău, Joel este supus aceleiași proceduri, dar, pe măsură ce tehnicienii își șterg amintirile despre Clementine, Joel se răzgândește și decide să se lupte înapoi, stăpânind cu disperare amintiri ale fostei sale prietene departe în subconștientul său.

Folosind un cantitate șocantă de efecte practice, această romantică inventivă sări peste timp și dansează în și din amintiri, în timp ce Joel trăiește atât momentele fericite cât și oribile ale relației sale, descoperind totodată cauza despartirii. Scenariul inteligent al lui Kaufman a câștigat un premiu Oscar, și cu Gondry la cârmă, Strălucirea eternă a minții neprihănite explorează cu îndrăzneală ce se întâmplă când strălucirea proaspătă și nouă poartă o romantism, iar cuplul este lăsat să se ocupe de defectele și defectele altora. Filmul nu ignoră durerea și capcanele de a face o relație să funcționeze, și examinând diferitele etape ale romantismului, acesta este un film care se schimbă și crește cu fiecare vizionare.



Shaun of the Dead (2004)

Peste 35 de ani dupăNoaptea mortilor vii, Edgar Wright a resuscitat genul zombie cu Shaun of the Dead, o comedie romantică cu Queen, canibali și palete de greiere. Filmul lui Wright a luat genul mort și l-a readus la viață, dându-i o răsucire comică. Bineînțeles, nici nu s-a prăbușit pe grenă -Shaun of the Dead este combo-ul perfect de râs, sperie și dramă plictisitoare.

Povestea urmărește un șomec pe nume Shaun (Simon Pegg), care este forțat să crească atunci când apocalipsa zombie coboară asupra micului său oraș britanic. Cu ajutorul celui mai bun prieten al său, Ed (Nick Frost), Shaun merge într-o căutare pentru a-și salva prietenii și familia, pentru a-și salva relația și pentru a rezolva câteva probleme de-a lungul timpului. Datorită folosirii de către Wright a editării și muzicii, filmul este plin de atingeri comice strălucitoare, din bătălie de aruncare la 'Nu mă opri acum'afișare. Și cu Pegg și Wright creând scenariul, Shaun of the Dead este, practic, modelul modului de a scrie comedia perfectă. Ascultă doar astaMonologul lui Nick Frost care setează restul filmului. E genial.

Dar toate râd și nu se simte pentru un film plictisitor și de aici Shaun of the Dead se ridică deasupra comediei tale de groază. Sigur, personajele sunt neplăcute, dar sunt reale, așa că atunci când experimentează durere și tristețe, filmul ne permite să plângem alături de ei. Momentul în care Shaun se confruntă cu mama sa zombificată este absolut agonizant și, dacă nu veți vărsa câteva lacrimi în timpul adioi finale ale lui Ed și Shaun, bine, este posibil să fiți unul dintre strigoi. În timp ce este editat de minune și corect scris, Shaun of the Dead funcționează atât de bine pentru că este un film cu multă inimă.



Grand Budapest Hotel (2014)

În retrospectivă, se pare că întreaga carieră a lui Wes Anderson s-a dezvoltatGrand Budapest Hotel. A fost a lui Cel mai mare film, unul dintre ai lui cele mai dragi filme dragi, și a marcat pentru prima dată când Anderson a primit vreodată un Nominalizare la Oscar pentru regie. Deci, ce a fost în spatele popularității filmului?

Este combinația perfectă dintre toate lucrurile pe care Anderson, de la meticulosul său concept de construire a lumii și de spirit ingenios până la aerul melancolic care se întinde peste toate filmele sale. Dar aici, el duce lucrurile și mai departe, folosind multiple cronologii și raporturi de aspect pentru a explora nostalgia, manierele și istoria europeană, mergând totodată pe o strânsă inocență între vechea lume și pesimismul post-al doilea război mondial. Este o poveste capricioasă cu groază la orizont, în care eroii noștri ajung să aibă o ultimă aventură madcap înainte ca societatea politicoasă să se sfărâme.



Complotul implică un băiat din hol, numit Zero (Tony Revolori), care vine să lucreze pentru mireasa și cu gura căscată, Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) la Grand Budapest Hotel. Situat în dealurile europene înzăpezite, hotelul este una dintre cele mai mari creații ale lui Anderson, care apar cu culori pastelate și camere complicate, toate perfect concepute pentru această lume fantezistă. În cele din urmă, Zero și Gustave sunt sincerizați într-o crimă care implică o contesă moartă, un tablou valoros și un tâlh înspăimântător, iar pe măsură ce filmul se năpustește, Anderson ne oferă comedie macabră, scene de acțiune stilizate și unele dintre cele mai îndrăgite personaje interesante ale cariera lui.

Serios, unde mai ai de gând să urmărești o goană de schi stop-motion, o pauză de închisoare care implică produse de patiserie și o societate secretă de portiere colorate? Cu un spectacol plin de strălucire din partea lui Fiennes (introduceți acest om în mai multe comedii, vă rog), Grand Budapest Hotel este o respirație fantezistă de aer curat într-o lume plină de superheroe cu buget mare. Este o dovadă că stilul și substanța pot merge mână în mână - sau cel puțin, cei doi pot susține iluzia cu un har minunat.

Creed (2015)

O mulțime de oameni au fost sceptici când au auzit că va apărea o nouă tranzacție în program stâncos franciza, dar atunci când filmul secundar al lui Ryan Coogler a ajuns în teatre, criticii și fanii au fost surprinși plăcut de puterea de eliminare a filmului. Nu a fost doar „o continuare” ok. A fost cea mai bună intrare în serie din originalul din 1976, și la fel ca oamenii Cinefix subliniază că, al șaptelea film din franciză a fost „un primer de la Hollywood despre cum să treci o torță”.

Cu Michael B. Jordan în rolul principal, crede se concentrează pe Adonis Creed, fiul regretatului mare campion Apollo Creed. Adonis este dornic să se lupte și disperat să se dovedească el însuși, iar el apelează la legendarul Rocky Balboa (Sylvester Stallone) pentru ajutor. În timp ce Adonis își croiește drumul către un film de titlu, Ryan Coogler se bazează pe mitologia francizei în moduri interesante. De exemplu, el pune un răsucire nouă pe scena obligatorie de alergare, oferind momentului o nouă putere și pumn emoțional. Și atunci este momentul în care Adonis pleacă în luptă cu campioana și faimosul stâncos tema începe să se joace. În calitate de critic de film Siddhant Adlakha subliniază că este „poate cel mai câștigat moment cinematografic cel mai cunoscut și o notă muzicală din memoria recentă”.

Dar Coogler reușește, de asemenea, să ia franciza într-o direcție nouă, cu un nou personaj principal interesant. Michael B. Jordan este în jocul său A aici, oferindu-ne un erou care nu este o clonă Rocky Balboa, ci un protagonist cu propriile sale obiective. Și filmul este plin de propriile sale momente unice, cum ar fi virtuosul meci de box cu o singură lovitură și pumnul unei secvențe în timpul căruia Adonis a făcut cutii de umbră împotriva filmelor vechi ale tatălui său.crede a fost un film underdog care a sfidat așteptările tuturor și se poate ține pe cont propriu cu cele mai mari secvențe din toate timpurile.

Mad Max: Fury Road (2015)

Genul de acțiune este una dintre cele mai pure forme de cinema. Sigur, puteți descrie scene de luptă dintr-o carte și puteți face unele lucruri interesante pe scenă, dar scene de acțiune și camere de film au fost făcute unul pentru celălalt. De-a lungul secolului trecut, genul de acțiune ne-a oferit câteva filme cu adevărat impresionante Marele jaf cu trenul (1903) la Pantera neagră (2018). Dar dacă vrei să reduci genul până la esența sa îmbibată cu adrenalină și vizionezi un film format din nitro, benzină și energie cinetică, nu te uita mai departe de Mad Max: Road Fury.

Regizat de George Miller, Drumul furiei Îl găsește pe Max Rockatansky (Tom Hardy) făcând echipă cu Imperator Furiosa (Charlize Theron) pentru a salva cinci sclavi sexuali de la șeful războiului local (Hugh Keays-Byrne) și armata sa de Flamers, Polecats și Warboys. Încercarea de evadare lansează o goană masivă de mașini peste deșert, una care a luat mai mult de 150 de cascadorii să filmeze. Peste 300 de secvențe au fost împușcate, în mare parte în deșertul Namib și, potrivit Miller, în jur 90 la sută dintre cascadoriile pe care le vedem sunt reale. Există motociclete care se ridică peste camioane, bărbați care se plimbă înainte și înapoi pe stâlpi uriași, iar într-o scenă, există 75 de vehicule care se sfâșie peste nisip, sub ochiul atent al lui Miller și al coordonatorului său cascador Guy Norris.

Pe lângă explozii și epave de mașini, Miller și cinematograful John Seale au realizat un film atât de frumos încât aparține într-un muzeu de artă. Există imaginea neobișnuită a altarului volanului, lovitura de inimă a lui Furiosa care se scufunda în nisip și momentul uluitor când armada plutește într-o furtună de nisip. Secvențele albastre ale nopții sunt indescifrabil de frumoase, iar construcția lumii este, bine, în afara acestei lumi. Miller a creat un univers populat cu biciclisti bunicuți, Crow Fishers și adolescenți războinici care visează la Valhalla. Pe scurt, Drumul furiei ar putea fi un film de acțiune perfect.

Manchester by the Sea (2016)

Unele filme sunt menite să distreze, în timp ce altele au ceva important de spus. Și apoi există filme care ne pot ajuta să procesăm emoții puternice cu care nu preferăm să ne confruntăm, cum ar fi durerea. Cineaștii au explorat subiectul în diferite genuri, de la fantezie (Ce vise pot veni) și thriller (Invitația) la dramă directă (În dormitor). Dar când vine vorba de durere și pierdere, Manchester pe mare ar putea fi cel mai agonisitor dintre toate.

Scris și regizat de Kenneth Lonergan, Manchester pe mare spune povestea lui Lee Chandler (Casey Affleck), un ținător izolat și iritabil, care se întoarce în orașul natal după moartea fratelui său. Dar a merge acasă prezintă multe probleme pentru Lee. Nu numai că a fost șocat să afle că acum este păzitorul nepotului său adolescent (Lucas Hedges), dar Lee se luptă, de asemenea, să păstreze trecutul la atingere. Nu vrem să dăm prea mult din complot, dar există un motiv pentru care plecarea acasă este ultimul lucru pe care Lee vrea să îl facă. Fiecare vedere și sunet îi amintește de ceva cu adevărat tragic care s-a întâmplat cu ani în urmă, un eveniment atât de oribil încât nu s-ar putea recupera niciodată.

Affleck a câștigat un Oscar pentru interpretarea sa aici, la fel ca și Lonergan pentru cel mai bun scenariu original, iar cei doi și-au meritat cu adevărat micile statui de aur. Fiecare gest pe care îl face Affleck, fiecare linie el nu spune, doar dureri de durere. (Și recuzite gigantice pentru Hedges și Michelle Williams, care au fost ambele nominalizate pentru spectacole stelare.) Și în timp ce filmul este plin de momente inconfortabil de comice - umorul de aici este insuportabil de întunecat -Manchester pe mare strânge cu mâhnire într-un mod în care majoritatea filmelor nu ar îndrăzni. Este un film frumos brutal despre trăirea cu durere pentru totdeauna, iar ultimele 20 de minute ar putea fi cele mai devastatoare 20 de minute filmate vreodată.

Silence (2016)

De la Ingmar Bergman la Darren Aronofsky, regizorii au avut de multe ori în considerare două întrebări spirituale importante: există un zeu și, dacă da, ce vrea el? Și în timp ce Martin Scorsese este cel mai cunoscut pentru filmele sale cu gangster, a petrecut mult timp încercând să răspundă la aceste întrebări. În 1988, a aruncat o nouă privire asupra Evangheliilor cu Ultima ispită a lui Hristosși aproape 30 de ani mai târziu, Scorsese a revenit la creștinism cu Tăcere, un film despre criza de credință a unui om când se pare că a fost părăsit de Dumnezeu.

A durat în jur 28 de ani pentru Scorsese să aducă Tăcere la marele ecran, ceea ce face ca filmul să se simtă ca un act de credință în sine. Complotul implică doi preoți iezuiți (Andrew Garfield și Adam Driver) care se strecoară în Japonia pentru a găsi un îndrumător dispărut (Liam Neeson) care ar fi comis apostazie. Atunci când preotul lui Garfield este capturat de japonezi, se găsește forțat cu o decizie dificilă: să se retragă și să sufere o damnare sau să privească cum colegii săi sunt torturați până la moarte. Dar când se întoarce la Dumnezeu pentru ajutor, nu există răspunsuri, nici minuni și eroul nostru se simte de parcă ar fi strivit de tăcerea lui Dumnezeu.

Tăcere este împușcat frumos de Rodrigo Prieto, care contrastează frumusețea Japoniei cu brutalitatea bărbaților răstigniți care se înecă în mare. Partitura compusă de Kim Allen Kluge și Kathryn Kluge este șocantă în simplitatea sa, bazându-se pe sunetele naturii. Iar Garfield și Neeson sunt perfecți ca preoți torturați - atunci când se întâlnesc, bătălia lor de mândrie și durere este ca și cum ar participa la Acting 101. Dar, în cele din urmă, așa cum a spus Richard Roeper a scris în recenzia sa. Tăcereexplorează natura credinței: cum poate inspira atât speranță, cât și cruzime, cum poate smulge vieți și a oferi celorlalți puterea soldatului, în ciuda îndoielilor.

Vrăjitoarea (2016)

Unul dintre cele mai deranjante filme horror din memoria recentă, Vrajitoarea spune povestea unei familii puritane care se luptă pentru viața lor - și unul împotriva celuilalt - când o forță supranaturală atacă casa lor izolată. Împușcat superb și proiectat, Vrajitoarea se simte ca și cum ar fi fost creat de un regizor veteran, dar acesta a fost de fapt primul film al lui Robert Eggers. Pe când era doar un începător, Vrajitoarea este însăși definiția unui film fără cusur, mai ales când vine vorba de obținerea tuturor detaliilor.

Vorbind cu Prin cablu, Eggers a explicat ideile sale unice atunci când a venit vorba de realizare Vrajitoarea. „Totul în cadru”, a spus Eggers, trebuie să fie ca și cum mi-aș articula amintirea acestui moment. Cum ar fi, asta a fost copilăria mea ca puritan și îmi amintesc că în ziua aceea tatăl meu m-a dus într-un câmp de porumb și cum miroase. Deci, cum poți captura o „memorie” așa? Facând o mulțime de cercetări. Ouăle petrecute patru ani studierea stilului de viață puritan și citirea relatărilor de primă proprietate demonică. Ba chiar a împrumutat dialogul real din presupuse întâlniri supranaturale. Vorbesc cu Indiewire, Eggers a dezvăluit că unele dintre rândurile „copiii spun (în film) atunci când sunt posedați sunt lucruri despre care se presupune că au spus copii adevărați când au fost posedați.”

Eggers a fost, de asemenea, super implicat atunci când a fost vorba de seturi și recuzite. Costumele erau cusute manual, iar mobilierul a fost construit la fel ca puritanii obișnuiau să-l facă. Și chiar dacă a fost filmat în Canada, Eggers a adus un vrăjitor din Virginia care s-a specializat pe acoperișuri din secolul al XVII-lea. Eggers și-a dorit totul perfect, dar pe lângă toate detaliile, regizorul pentru prima dată a reușit să obțină spectacole incredibile de la fiecare membru al distribuției sale, inclusiv copii mici și un Capră de 210 kilograme. Și dacă un film poate înfricoșa animalele, atunci știi că ai pe mâinile tale un clasic horror instant.

Afară (2017)

Filmele vă pot reprezenta sau experiențele voastre, sau vă pot pune în pantofii altcuiva. Și apoi sunt filme de genul Iesi afaracare fac ambele. Pentru afro-americani, Iesi afara funcționează - ca Jordan Peele a descris-o- ca documentar. Este o versiune fictivă a ororilor pe care oamenii negri o experimentează în fiecare zi. Pentru toți ceilalți, arată cum este cu adevărat să fii o persoană de culoare care trăiește într-o lume albă. Nu face rău Iesi afaraare un scenariu ucigaș, regie ascuțită și o prestație plină de distincție pentru Oscar de la Daniel Kaluuya.

Povestea urmărește un tânăr fotograf negru pe nume Chris (Kaluuya) care merge în întâmpinarea familiei iubitei sale albe. Din momentul în care se prezintă la moșia lor - îngrijită de servitori negri - totul pare stins. Poate sunt doar glumele sfătuite, privirile ciudate și vibrațiile rasiste casual pe care le primește de la părinți ... sau poate sunt unele chestii serioase de Ira Levin mergând în culise. Acesta este debutul regizoral al lui Peele, dar nu ai ști așa cum va trage tensiunea până când totul va exploda într-o mizerie sângeroasă de jiu-jitsu, căni de ceai și furnici de cerbi. Și scenariul lui Peele este de top, plin de atingeri inteligente (bogatul răufăcător folosește o lingură de argint; Chris scapă de captorii săi albi folosind bumbac) și o mulțime de ciudă prevestire („matriță neagră” în subsol). În plus, are unul dintre cele mai bune terminații de groază din acest secol până acum.

Sigur, filmul se echilibrează lucrurile cu o mulțime de râsete, mai ales cu amabilitatea lui Lil Rel Howery. Dar la baza ei, Iesi afara este un film terifiant care privește ororile reale ale societății americane. Mulțumesc măiestriei lui Peele din spatele aparatului foto și abilității lui Kaluuya de a ne ține atât la pământ, cât și îngrijorat de-a lungul nebuniei, Iesi afara va continua să răspândească publicul atât timp cât oamenii se vor găsi prinși în Locul Sunken.

Jaws (1975)

În mâini mai mici, Fălci ar fi devenit un monstru uitat într-o mare de filme B. (Verifică Fălcile 2. Fălci 3-D, și Jaws: The Revenge pentru dovadă.) Dar peste 40 de ani mai târziu, tot le oferă oamenilor o pauză înainte de a intra în apă. Deci, ce setează Fălci în afară de tăvălugul tău? Ei bine, este omul care stă pe scaunul directorului: singurul Steven Spielberg.

Nimeni nu face tensiune ca Spielberg și Fălci este o masterclass când vine vorba de crearea de suspans. Spielberg a mers Ruta Alfred Hitchcock și a ținut peștele monstruos cât mai mult timp posibil, jucându-ne pe frica noastră de necunoscut. El construiește spaima folosind fotografii POV subacvatice și scorul lui John Williams pentru a ne anunța că vine rechinul. În timp ce Sheriff Brody scanează nervos plaja, Spielberg ratifică tensiunea cu hering-uri roșii și editare strălucitoare (de Verna Fields). El face ca stomacul nostru să se răcească pur și simplu, având un butoi afară din apă. Până și cartea de glorie a lui Brody și monologul lui Quint cu frământare osoasă ne anunță cât de rele vor ajunge lucrurile dacă eroii noștri vor ajunge în apă.

Așadar, când în sfârșit vedem rechinul în toată gloria lui cu ochi de păpușă, săritor de barcă, scena a fost pusă la punct, iar publicul este pregătit. Chiar dacă monstrul pare ocazional un pic cauciucos, am văzut ce se poate face. Am urmărit-o pe acea femeie din deschidere să fie târâtă înainte și înapoi și l-am văzut pe băiatul Kintner tras sub apă de o forță invizibilă. Mulțumită configurației lui Spielberg, credem în totalitate că acest pește de 25 de metri ar putea mânca toată lumea în Amity și, chiar dacă Brody îl aruncă până la urmă, suntem încă puțin nervoși de fiecare dată când mergem la înot.

Evil Dead II (1987)

Ce se califică drept un film fără cusur? Trebuie să fie o dramă serioasă? Sau poate fi o comedie de groază în care un tip se luptă cu o mână proprie? În timp ce unii snobs ar putea privi în jos Evil Dead II, acest clasic Sam Raimi obține impecabil ceea ce își propune să facă: să te facă să urle și apoi să te facă să râzi.

Continuarea clasicului cultului din 1981, Evil Dead II este un moment grozav la filme. Jucându-l pe eroul cu guler alb Ash Ash, Bruce Campbell dă un performanță fizică fantastică. Lucrurile pe care le face în acest film îl plasează pe Campbell în conversația cu Charlie Chaplin și Buster Keaton - se aruncă în jurul său ca o păpușă de zdrență în timp ce se înnebunește și nu se zgârie niciodată o zâmbetă (cu excepția cazului în care este nebun). Este vaudeville pentru epoca modernă.

Creaturile împotriva cărora le este împotrivă cenușa sunt de-a dreptul drăguțe, de la capul de cerb posedat până la Henrietta Knowby. În timp ce efectele monstru pot părea un pic datate, ele se simt totuși tactile și reale, iar prezența lor fizică singură dă un sentiment de distracție și pericol. Și în timp ce se luptă cu Deadites, Ash se regăsește într-o serie de scene memorabile, de la destrămarea sa psihotică și gheizerul de sânge până la momentul badass în care își ajunge legendarul lanț. Rapid, distractiv și puțin ciudat, Evil Dead II demonstrează modul în care filmele de cult pot atinge acel statut clasic.

Unforgiven (1992)

Nu există niciun actor modern mai asociat cu occidentul decât însuși Omul fără nume, Clint Eastwood. Dar, spre deosebire de colegul occidental John Wayne, filmele lui Eastwood erau mai degrabă despre revizuirea genului și luarea de tropi vechi în direcții noi. Și când vine vorba de demontarea mitosului din Vechiul Vest, acesta nu devine mai deconstructivist decât cel al lui Eastwood de neiertat.

Povestea urmărește un pistol în retragere pe nume William Munny (Eastwood) care, datorită soției sale acum moarte, și-a schimbat modurile și s-a stabilit într-o viață de creștere a copiilor și de porci de fermă. Dar când ferma lui începe să se destrame și o ocazie de numerar rapid vine să bată, Munny își ridică armele pentru o ultimă plimbare. Vechiul timer care se întoarce în șa este un dispozitiv clasic de complot pentru filmul occidental, dar în timp ce Munny încearcă să strângă recompensele pe doi cowboy renegați, filmul se duce în unele locuri incredibil de întunecate.

Potrivit Eastwood. de neiertat este despre inutilitatea violenței - știi, lucrul pe care vrem să-l vedem la sfârșitul fiecărui occidental. Ucide înăuntru de neiertat sunt urâte și agonizante. Oamenii urlă de durere și de teamă. Asasinii se îndepărtează uimiți, pentru totdeauna traumatizați trăgând pe trăgaci. Violența este întotdeauna urâtă, indiferent dacă este deservită de Munny sau de șeriful brutal din orașul mic jucat de Gene Hackman. Acest avocat nu este mai bun decât infractorii pe care îi bate pe străzi. De la deschiderea sa singură până la punctul său culminant întunecos și ploios, de neiertat nu se teme să-i pună la îndoială pe eroii noștri populari sau să-și țintească obiectivele asupra unui gen întreg (și, pentru asta, țara) construit pe vărsare de sânge.

Spider-Man 2 (2004)

Cand Spider-Man 2 intrat în teatre, Roger Ebert l-a salutat drept „cel mai bun film de supereroi de când a fost lansat genul modern Supraom.“ Acordat, din 2004 au apărut o mulțime de filme de supereroi, dar afirmația lui Ebert rămâne în continuare.

Regizat de Sam Raimi, Spider-Man 2 nu este doar cel mai bun film de supereroi făcut vreodată. Este, de asemenea, una dintre cele mai mari secvențe din toate timpurile, chiar acolo Imperiul loveste inapoi și Nașul partea a II-a. Spre deosebire de acele filme sumbre, Spider-Man 2 păstrează tonul ușor de la primul film în timp ce duce miza emoțională la un nou nivel.

Filmul are câteva piese incredibile, din filmul Răul mort-scena chirurgicală inspirată la lupta epică a lui Spidey cu trenul Ock. Dar unde Spider-Man 2 într-adevăr strălucește face din Peter Parker (Tobey Maguire) un erou cu adevărat relatabil. Se străduiește să lupte cu un om de știință nebun in timp ce face tot posibilul să obțină o prietenă și să-și țină o slujbă. Este un tip care întârzie la teatru și găsește confort în tortul cu ciocolată. El simte o fericire autentică în timpul genialului montaj „Răpile de ploaie să cadă pe capul meu”, urmat de un regret înrăutățitor atunci când nu reușește să salveze pe cineva răsfrângându-și responsabilitățile.

Pe scurt, Spider-Man 2 este mai mult decât un simplu erou care se luptă cu un om rău. Așa cum Michael Curley la popmatters pune-l în Spider-Man 2, publicul nu se bazează doar pe Peter să-l oprească pe răufăcător sau să salveze lumea - ei vor ca el să fie fericit, să găsească echilibrul, să facă să fie o lucrare de supererou pentru el. A fost primul film de supereroi care ne-a oferit un super-erou la care ne-am putea conecta cu adevărat și a setat șablonul pentru filmele Marvel.

Asasinarea lui Jesse James de lașul Robert Ford (2007)

Regizat de Andrew Dominik, Asasinarea lui Jesse James de lașul Robert Ford plutește ca o fantomă peste prada acoperită de zăpadă. Este un film epic care își ia timpul. Nu există Gasca Nebuna-stile de focuri de armă aici - doar un film filmat frumos, care spune povestea a doi bărbați foarte cu probleme: o celebritate care se luptă cu boli mintale și un fan toxic care vrea să ucidă ceea ce nu poate avea.

Atât Brad Pitt, cât și James, Casey Affleck și Ford sunt în topul jocurilor lor aici. Pitt joacă haiducul ca un bărbat care suferă de paranoie și depresie. Se scufundă în întuneric și, în momentele lui lucide, se gândește la moarte. Dar apoi sunt momente în care ochii lui Pitt devin sălbatici și nebunia începe să se miște și ești prea îngrozit pentru a clipi chiar. Este chestii demne de Oscar, rivalizat de Affleck ca un sincopant gras, greoi, un lipitor nesigur, care vrea cu disperare să fie celebru. Desigur, atunci când își dă seama că nu are ce trebuie pentru a ajunge la un timp mare, decide să meargă pe ruta David David Chapman.

Pe lângă actorie, cinematografia lui Roger Deakins este absolut superbă. El a inventat de fapt mai multe lentile special pentru film, oferindu-ne imagini acelui critic de film Scout Tafoya descrie ca „undeva între un tintype și o pictură în ulei”. Coloana sonoră a lui Nick Cave și Warren Ellis este bântuitoare, la fel și povestirea de fapt a lui Hugh Ross, care ne amintește că ne îndreptăm spre ceva îngrozitor și predestinat. Asasinarea lui Jesse James va lăsa anii următori, la fel ca și legenda însuși a haiducului.

Hot Fuzz (2007)

Scris de Edgar Wright și Simon Pegg,Fuzz fierbinte este un film care devine mai bun de fiecare dată când îl urmărești. La urma urmei, are unul dintre cele mai strânse ecrane afișate vreodată pe hârtie. Dacă doriți să aflați despre arta setărilor și a rambursărilor, atunci ar trebui să consultați Fuzz fierbinte iar si iar.

Unele dintre primele glume revin la sfârșit în moduri neașteptate. De exemplu, o linie amuzantă despre mămicile fermierului care împachetează armele plătește spectaculos atunci când mama unui fermier încearcă de fapt să-i hulească pe eroicul Sgt. Angel (Pegg) cu o pușcă. Rutina „fascist / hag” revine frumos în luptă finală cu focuri de armă și referințele continue la Moment de pauzaa înființat o scenă hilară, dar plină de inimă, care implică Nick Frost și dragul său tată.

Alte linii prevăd de fapt unele întorsături destul de grave ale complotului. În deschiderea filmului, șeful poliției londoneze Bill Nighy îi spune lui Sgt. Înger că îi poate face pe oameni să dispară pentru că este inspectorul principal. Și când Angel este transferat în orașul adormit Sanford, cine face literalmente să dispară abateri? Da, este corect. Este inspectorul șef jucat de Jim Broadbent. Și abia ne zgâriem suprafața aici - de fiecare dată când urmăriți filmul, veți găsi ceva nou.

Dar pe lângă scenariu, Fuzz fierbinte face o meserie măiestră a genurilor de jonglerie. În calitate de critic de film YouTube Mikey Neumann subliniază, filmul transmite patru genuri separate: comedie, groază, mister și acțiune. Și nu numai că te saturiște tipic Michael Bay film, dar este o acțiune în mod legitim grozav în același timp. Pe lângă toate acestea, are loc o strălucire puternică între Pegg și Frost. Fuzz fierbinte Edgar Wright și Simon Pegg trag pe toți cilindrii și este greu să te gândești la o comedie care să poată compara cu strălucirea ei sângeroasă, britanică.

There Will Be Blood (2007)

Daniel Day-Lewis este unul dintre actorii mari din toate timpurile, dar în timp ce spectacolele sale sunt în Lincoln și Piciorul meu stâng sunt uimitori, el poate fi mereu amintit pentru faptul că a dat dovadă și a făcut ravagii cu privire la lovituri de lapte. Desigur, Acolo va fi sânge este mult mai mult decât un simplu meme - este o retragere înfiorătoare a societății americane, filmată frumos de Robert Elswit și ar putea fi cel mai mare film din estimarea filmografie a regizorului Paul Thomas Anderson.

Anderson este omul din spatele filmelor Nopți Boogie și Firul fantomă, dar niciunul din celelalte filme ale acestuia nu are un scop epic, brutal Acolo va fi sânge, care captează o pustie sterilă cu bogății nespuse care se ridică sub fisuri. Acolo pentru a bea totul este Daniel Plainview (Day-Lewis), un magnat puternic cu ulei, cu ură pentru majoritatea tuturor celor pe care îi întâlnește. El este amok-ul capitalist al Americii, și singurul lucru care îl ține sub control este amețitorul Rev. Eli Sunday (Paul Dano), partea întunecată a Primului Amendament. Pe măsură ce cei doi se luptă pentru controlul petrolului, Plainview își pierde umanitatea puțin câte puțin, până nu mai rămâne altceva decât un bătrân supărat cu un ac de bowling.

În cea mai mare parte, Day-Lewis joacă Plainview cu o intensitate de creștere. În spatele acestor ochi se întâmplă multe - calcule și concurență. Dar când explodează, este un foc de neegalat de orice performanță din memoria recentă. În ceea ce îl privește pe Anderson, el captează imaginea nituitoare după o scenă incredibilă, precum secvența de deschidere fără cuvinte și derrick-ul cu ulei care arde în miez de noapte, în timp ce este însoțit de scorul extraterestru al lui Jonny Greenwod. Este greu să te gândești la un alt film american care surprinde așa partea întunecată a lăcomiei Americii și dacă vrei să compari Acolo va fi sânge la Cetateanul Kane, cu siguranță nu ne-am plânge.

John Wick (2014)

În rolul titular este Keanu Reeves, John Wick are loc într-o lume umbrită ucigătoare, o societate secretă plină de monede de aur și reguli misterioase. Există un hotel clasat, populat de escroci debonair și asasini sexy, și în calitate de critic de film Priscilla Page scrie, imaginile sunt scăldate cu „paleta lui Mario Bavo, a lui Dario Argento”. Set aproape în întregime noaptea, filmul este bogat cu roșii închise, albastru și verzi. Este exact genul în care te-ai aștepta să vezi un bogeyman care poartă un costum luptând cu un grup de tâlhari ruși - și luptă-i pe care îi face, cu cea mai mare ușurință.

Reeves nu a fost încurcat când a semnat John Wick. Actorul a antrenat cinci zile pe săptămână, opt ore pe zi, pentru patru luni lungi. A învățat cum să gestioneze armele de foc, să folosească ținute de jiu-jitsu și să conducă o mașină ca o stea din anii '70. Când luptele se vor derula, nu există o editare inteligentă care să ascundă dubla lui Reeves, deoarece acesta este de fapt Keanu care îi bate pe acești răi. Gun-fu aici este un punct de vedere de văzut și, întrucât filmul a fost regizat de doi cascadorii (Chad Stahelski și David Leitch), nu ar trebui să surprindem că coregrafia este excelentă.

Dar pândirea sub suprafață este o poveste a unui om în doliu. John Wick este un văduv al cărui câine iubit a fost un cadou din partea regretatei sale soții, așa că atunci când niște gangsteri cu cap fierbinte își ucid puiul, își iau mai mult decât doar animalul de companie (deși este destul de rău) - îl omoară ' ocazie de a ne mâhni de neegalat. ' Asa de John Wick este mult mai mult decât un film despre un om care ucide cât mai multe persoane. Este vorba despre un bărbat care caută să facă față și care speră să-și exprime tristețea și furia ... ucigând cât mai mulți oameni.

Guardians of the Galaxy Vol. 2 (2017)

În doar 10 ani, Universul cinematografic Marvel a modificat complet peisajul hollywoodian. Dar cu atât de multe intrări într-o franciză atât de apreciată de critici, care este cea mai bună dintre grămadă? Aceasta este o decizie dificilă, dar dacă treceți prin impact emoțional, trebuie să alegeți Guardians of the Galaxy Vol. 2. Regizat de James Gunn, acest continuu din 2017 urmărește aventurile ulterioare ale eroilor noștri ragtag în timp ce întâlnesc o planetă vie cu un ego cu adevărat mare. Voi. 2 are câteva piese cu adevărat memorabile, de la „Mr. Blue Sky ”deschizându-se spre pauza închisoare„ Come a Little Bit Closer ”glorios de violent. Dar serios, Voi. 2 este mai mult decât săgeți magice și baterii harbulare. (Scuzați-ne ... bateriile anulax.)

La baza ei, este vorba într-adevăr despre drama familiei și găsirea iertării. Și în timp ce majoritatea filmelor MCU tratează probleme similare, Guardians of the Galaxy Vol. 2sapă adânc în ceea ce este ca să supraviețuiești abuzului. Aproape fiecare personaj din film a fost profund cicatrizat: Star-Lord este manipulat de tatăl său biologic; Racheonul Racheon a fost mutilat de oamenii de știință; Gamora și Nebula au fost torturate de Titanul lor nebun al unui tată. Chiar și Yondu - care a fost un părinte putred al lui Peter Quill - este bântuit de propriul său trecut întunecat.

Fiecare personaj se ocupă cu trauma lor în felul său, de la transformarea unuia pe altul până la împingerea prietenilor. Aceste personaje sunt rupte, rănind oameni, fiecare supraviețuitor de un fel. Dar în cele din urmă, Voi. 2 este un film despre acești oameni răniți și răniți care încep să meargă mai departe și să se maturizeze, chiar dacă este doar în trepte minuscule. Încă se luptă cu durerea, dar învață când să ierte și când să se îndepărteze de o relație distructivă (sau să o explodeze cu ajutorul pistolelor laser), oferindu-ne unul dintre cele mai complexe blockbusters dintr-un gen care adesea accentuează acțiunea asupra emoțiilor.

Nu ai fost niciodată cu adevărat aici (2018)

Nu ai fost niciodată cu adevărat aici este cel mai mare film anti-acțiune din lume. Are toate capcanele thrillerului tău tipic - un veteran de război tulburat primește un ciocan și bate o grămadă de băieți răi până la moarte - dar povestea este departe de a fi cunoscută. Vă puteți gândi la un alt film de acțiune în care eroul împușcă un ticălos, dar în loc să-l termine în mod urât, se întinde pe jos și cântă împreună cu victima până când moare?

Da, probabil că nu.

Regizat de Lynne Ramsay, Nu ai fost niciodată cu adevărat aici urmează un tip pe nume Joe (Joaquin Phoenix), un hitman care salvează fetele de la traficanți de sex. În cele din urmă, Joe își ia locul de muncă greșit și se implică într-o adevărată conspirație, dar ceea ce este atât de impresionant este modul în care Ramsay și Phoenix subvertesc fiecare așteptare stabilită de atâtea filme înainte. De exemplu, în majoritatea filmelor de acțiune, eroul se confruntă cu răufăcătorul și îl trimite în regatul venit. Deși nu vrem să-l răsfățăm, vom spune că Joe nu va avea marele său moment cathartic. Filmul merge undeva mai ciudat și mult mai deranjant, dar în cele din urmă plin de speranță.

Phoenix este la un alt nivel aici. Ascuns în spatele unei barbă neîngrijite, este un om obosit, care se pricepe să rănească oamenii, în special pe el însuși. Însă, când nu se sufocă sau se bate cu pervertirile, se îngrijește de mama lui în vârstă, trosnind glume cu ea și asigurându-se că frigiderul ei este întotdeauna la dispoziție. Joe abia rosteste un cuvânt, dar Phoenix le vinde totul cu o mormăie, o privire și fulgerul unui ciocan cu bile. În ceea ce privește Ramsay, ea a arătat critici subvertind genul horror Trebuie sa vorbim despre Kevinși este la fel de adepta thriller-ului de acțiune. Trebuie doar să arătăm că, atunci când deschideți un gen către noii producători, cu perspective noi, veți ajunge la o poveste care merge pe locuri pe care nu le-ați aștepta niciodată.